國樂 · 新絲路 Chinese Music in the New Silk Road 新絲路
身體協奏曲，與宇宙共同修行
Body as Concerto: Cultivating Resonance with the Universe
文化職責與頂尖樂音交織 ����/��樂季燦爛啟航
Cultural Mission and Musical Excellence: The Splendid Opening of the 2025/26 Season
如果遠方有戰爭──關於彭修文： 幻想曲《秦・兵馬俑》與尼爾森： 第五號交響曲的雜談
If War Breaks Out Afar: On PENG Xiuwen's The Fantasia – The Chin Dynasty Terra Cotta Soldiers and NIELSEN's Symphony No. 5
新思路 The Route to Innovation
封面故事 Cover Story
國樂新生活 Chinese Music as Daily Practice
國樂新視界 New Vision of Chinese Music
這些人這一刻 The Moment
發行人
總編輯
藝術顧問
編審委員
企劃／執行編輯
編輯顧問
翻譯編輯
翻譯
鄭立彬
吳幸潔
吳榮順、林谷芳、林昱廷、施德玉、樊慰慈、瞿春泉、蘇文慶(依姓氏筆劃順序)
徐端容、黃馨玉、鍾永宏、郭沛溱、邱誓舷、吳孟珊、朱樂寧、蕭奕飛
俠客行文創顧問有限公司
沈冬
李明晏
余境萱
從臺北走向國際 在國際看見臺北
From Taipei to the World Seeing Taipei on the World Stage
文化職責與頂尖樂音交織 ����/��樂季燦爛啟航
Cultural Mission and Musical Excellence: The Splendid Opening of the 2025/26 Season
身體協奏曲，與宇宙共同修行
Body as Concerto: Cultivating Resonance with the Universe
如果遠方有戰爭──關於彭修文： 幻想曲《秦・兵馬俑》與尼爾森：第五號交響曲的雜談
If War Breaks Out Afar: On PENG Xiuwen's The Fantasia –The Chin Dynasty Terra Cotta Soldiers and NIELSEN's Symphony No. 5
讓人感戴的李鎮東老師──臺大同學們學琴記 臺灣國樂範先(五)
In Gratitude to Professor LI Chen-Tung
Learning the Erhu at National Taiwan University (Part 5)
Publisher
Editor-in-Chief
Artistic Advisors
Editorial Review Committee
Executive Editor Production
Editorial Consultant
Translation Editor
English Translator
CHENG Li-Pin
WU Hsing-Chieh
WU Rung-Shun, LIN Ku-Fang, LIN Yu-Ting, SHIH Te-Yu, FAN Wei-Tsu, QU Chunquan, SU Wen-Cheng (by Order of Stroke Numbers of Surname in Chinese)
HSU Tuan-Jung, HUANG Hsing-Yu, CHUNG Yung-Hung, KUO Pei-Chen, CHIU Shih-Hsuan, WU Meng-Shan, CHU Le-Ning, SIAO Yi-Fei
Chivalry Cultural and Creative Industry & Consultant Ltd.
SHEN Tung
LEE Ming-Yen
Christina YU
今年 8 月臺北市立國樂團（下稱北市國）舉辦了「暑 114 夏」國樂研習營及「 TCO 明日之星國樂團」夏令營，引發熱 烈回響，北市國引領大小朋友學習、探索國樂藝術，並在舞臺上綻放熱情與光芒。緊接著將迎來 2025/26 新樂季，以 「聽見盧亮輝」為樂季主軸，規劃了 8 個系列的精彩節目，並廣邀海內外知名演奏家連袂演出，為樂迷朋友帶來動人 的樂章；而本樂季北市國將再度「從臺北走向國際」，造訪柏林愛樂廳、萊比錫布商大廈及維也納金色大廳等歐洲三 大頂級場館，將國樂藝術奏響歐陸。除了實體的樂季演出，將於 9 月開始於 YouTube 頻道推出「北市國歷年音樂會實 況精選首播」及「 Just Vibing ！國樂生活誌」兩項節目，讓樂迷朋友在線上、線下都能感受國樂之美。
本期「國樂新生活」專欄，特別邀請北市國笙演奏家朱樂寧與二胡演奏家吳孟珊兩位團員分享「國樂與運動」主題， 演奏也是「運動」的一種，透過日常運動讓演奏無論在肢體與肌肉運用、呼吸調配以及意志力訓練等都能獲得助益， 音樂不僅止於技巧，更應認識自身的身體語言與感知能力，舞臺亦不只是聲音的場域，更是身體的劇場，演奏者透過 身體，將音樂化為具象能量，展現出「至誠」的理想人格與藝術境界。
戰爭與音樂看似相距甚遠的議題，但在北市國副指揮江振豪的觀察下，聚焦於彭修文作品幻想曲《秦 ・ 兵馬俑》 與丹麥作曲家卡爾 奧古斯特 尼爾森（丹麥語： Carl August Nielsen ）作品第五號交響曲等兩部作品。藝術往往是 記錄與反思戰爭的重要載體，無論在繪畫、雕塑、電影、文學等都有所見。東西方不同的語彙與觀點，但同樣敘 述戰爭陰影下的精神。讓我們隨著本文一起聆聽那段被音樂所記錄下來的戰爭歷史。
李鎮東為 1960-1970 年代重要的國樂推手之一，本業為牙醫師，並開設「大東牙科」，但診所聚集的不是病患，而 是國樂學生與音樂界友人，成為了學習與交流的場所。本文由陳端安老師執筆記錄李老師在國樂教學、教育、樂 器改革、作編曲經歷以及成立「大學樂團」等過往紀事。李老師對於後輩提拔也不遺餘力，不僅在教學上認真， 舉凡演出、唱片錄製、音樂科系任教機會等都不吝推舉學生，讓學生們深入音樂的殿堂，至今仍發光發熱。
在全新樂季「從臺北走向國際」中，北市國兼具傳承與創新。一方面規劃「聽見盧亮輝」系列節目，以音樂書寫臺灣 國樂歷史的重要篇章；另一方面積極開拓新局，不僅打造融合民歌與音樂劇的跨域製作，更投入網路平臺的深耕與經 營。誠摯邀請樂迷朋友，在這令人期待的新樂季裡，與北市國一同在臺北看見國際，在國際看見臺北。
In August this year, the Taipei Chinese Orchestra (hereinafter referred to as TCO) hosted the 2025 Summer Chinese Music Training Camp and the TCO Rising Stars Taipei Chinese Orchestra summer program, both of which received enthusiastic responses. TCO guided participants of all ages to learn and explore the art of Chinese music, shining with passion and brilliance on stage. Next, TCO will launch its 2025/26 new season, themed The Music of LO Leung-Fai, featuring eight captivating program series. The season will bring together renowned performers from Taiwan and abroad to present moving musical works. In this season, TCO will once again embark on its journey From Taipei to the World, performing at three of Europe’s most prestigious concert halls — the Berlin Philharmonic Concert Hall, the Gewandhaus in Leipzig, and the Golden Hall in Vienna — to bring the beauty of Chinese music to European audiences. Beyond live performances, starting in September, TCO will also premiere two new programs on its official YouTube channel: “TCO Concert Highlights Premiere” and “Just Vibing! Chinese Music as Daily Practice,” enabling music lovers to experience the charm of Chinese music both online and offline.
In this issue of “Chinese Music as Daily Practice,” TCO invited Sheng performer CHU Le-Ning and Erhu performer WU Meng-Shan to share their thoughts on the theme Chinese music and sports. Performance itself can also be seen as a form of exercise. Through regular physical training, musicians can benefit in areas such as body and muscle coordination, breath control, and mental discipline. Music is not confined to technical mastery; it also requires an awareness of one’s body languag e and perceptual abilities. The stage is not merely a space for sound, but also a theater of the body. Through their bodies, performers transform music into tangible energy, embodying sincerity while reaching toward an ideal personality and artistic realm.
At first glance, war and music may seem like distant subjects. Yet, under the observation of TCO Associate Conductor CHIANG Chen-Hao, the focus turns to two significant works: The Fantasia – The Chin Dynasty Terra Cotta Soldiers by PENG Xiuwen, and Symphony No. 5 by the Danish composer Carl August Nielsen. Art has long been an essential medium for recording and reflecting on war, as seen in painting, sculpture, film, and literature. Though Eastern and Western traditions use diff erent vocabularies and perspectives, both express the human spirit under the shadow of war. Let us, through this article, listen to that chapter of wartime history as preserved in music.
LI Zhen-Dong was one of the key promoters of Chinese music during the 1960s and 1970s. By profession he was a dentist and operated the Da-Dong Dental Clinic, but instead of attracting patients, the clinic became a gathering place for students of Chinese music and friends from the music community—a hub for learning and exchange. This article, written by Professor CHEN Duan-An, documents Mr. LI’s contributions in teaching Chinese music, advancing music education, reforming instruments, composing and arranging, as well as founding the University Chinese Orchestra. Mr. Li was also tireless in nurturing younger generations. Beyond his dedicated teaching, he wholeheartedly recommended his students for performance opportunities, recording projects, and faculty positions in music departments. Through these efforts, he opened the doors of the musical world to them, and many of his students continue to shine on the stage to this day.
In the new season From Taipei to the World, TCO embraces both tradition and innovation. On one hand, it presents the program series The Music of LO Leung-Fai, which captures significant chapters in the history of Taiwanese Chinese music. On the other, it actively explores new directions—creating cross-disciplinary productions that blend folk songs with musical theater, while also expanding its presence and engagement on digital platforms. TCO sincerely invites music lovers to join in this highly anticipated season, to see the world from Taipei and see Taipei on the world stage.
文 / 顏采騰 圖 / 臺北市立國樂團
職業樂團的樂季演出，可以是乏味重複的例行公事，也可以是富具巧思、肩負文化使命、為音樂注入生命力的創造性 活動 無庸置疑地，臺北市立國樂團（以下簡稱北市國）可說是後者的典範。 2025/26 樂季，北市國作為國內的指 標性樂團，除了呈現精湛的合奏技藝，也將透過其四十餘場的樂季節目，履行傳承經典、孕育新秀、曲目開創、創新 跨域等任務，將其藝術能量最大效益化。
本文除了引介本樂季的主軸規劃與精彩節目，也希望點出樂季手冊及節目介紹中未言明的隱藏巧思，為樂迷增添欣賞 樂趣。
2025/26
本樂季的主軸之一，是延續鄭立彬團長回任後啟動的「聽見作曲家系列」，本樂季以「聽見盧亮輝」為主題。該系列 每年選定一位對臺灣國樂發展有貢獻的代表性作曲家，除了搬演其主要作品，也進行樂譜校訂出版、撰寫傳記等 學術性活動，深入且系統性地引介其藝術風采。今年的「聽見盧亮輝」將聚焦於這位國樂界人人熟知的傳奇大師，除 了一系列規劃中的研究推廣活動，也將透過樂季音樂會完整地回顧他的創作生涯 從 70 年代末最早的合奏作品《 酒歌》、《鬧花燈》、 80 至 90 年代經典的《春》、《夏》、《秋》、《冬》、《喜》、《怒》和《童年的回憶》，到 2010 年代的 《菅芒花幻想曲》、《青春奔放》等，共計將演出 17 首其經典之作。尤其，本樂季也將呈現他結合音樂與散文詩、共 九個篇章 60 分鐘的大型民族交響音詩《關公》，於 2026 臺北市傳統藝術季開幕音樂會上演，是所有國樂老饕不可錯 過的珍稀饗宴。
值得一提的是，「聽見盧亮輝」並非一個明確的子系列，而是貫穿整個樂季的安排，有專場音樂會，亦有藏身多處 的零散單曲。
9 月初的開季音樂會，將會演出他的 8 首經典作品，帶來完整純粹的盧亮輝饗宴；其餘如教育合作、 新秀亮相、名家獻藝等不同定位的節目，也都將響起這位國樂作曲大師筆下的優美旋律。
除了回顧盧亮輝的創作成就，北市國也希望彰顯盧亮輝作為年長之作曲家、仍持續活躍不輟的一面。因此，針對 2026 年度之臺北市民族器樂大賽，北市國將委託盧亮輝創作全新的琵琶協奏曲，作為決賽的指定曲目。藉此，除 了呼應盧亮輝為國內音樂比賽創作而成名的佳話，也讓他的藝術風采不斷延綿拓展。
「盧亮輝與市國之星—2025/26 樂季開季音樂會」，二胡演奏家符珈瑋、笙演奏家朱樂寧、笛演奏家黃士晏、琵琶演奏家許妙伊（由左到右）
本樂季的第二個主軸，是「市國之星系列」。這一系列可說是北市國重新整合歷年資源成果、有效運用人才網絡的規 劃： 北市國長年以來致力辦理國樂器樂與作曲比賽、扶植旗下之多個附設樂團等，除了作為音樂教育責任的落實，其實也 是在間接地培養未來的潛在合作人才。而在今年的「市國之星系列」中，當年曾參與附設團而今大放異彩的名家、歷 年於大賽獲獎之年輕新秀等，加上北市國的現任聲部首席及團員，都將以指揮、獨奏者或作曲家的身份參與樂季。
在「市國之星」系列的四場音樂會中，除了團長鄭立彬，將有指揮家劉江濱、黃光佑及廖元鈺、十餘位優秀獨奏家擔 綱演出。後者包含北市國的多位聲部首席與演奏員、曾參與 TCO
學院國樂團之音樂家，以及曾於 TCO
民族器樂大 賽獲獎的青年新秀。指揮家部分，除了廖元鈺曾指揮 TCO
學院國樂團演出，其餘兩位劉江濱、黃光佑則曾經分別是 北市國、小市國的聲部團員，無疑是北市國的「優秀校友」！
而除了明訂的系列節目，「市國之星」的理念其實也貫穿了整個樂季，在委託作曲、個人獨奏、指揮等面向中呈現。
作曲方面，過去曾於北市國主辦或承辦之作曲大賽獲獎的多位青壯年作曲家，都將帶來全新的委託創作。演奏方面，
現任團員則能在「小而美」系列中一展長才，以較自由多元的形式安排獨奏會。最後，北市國過去的兩位耀眼巨星 榮譽指揮瞿春泉與前首席指揮張宇安，也將執掌共四場音樂會，再放燦爛光芒。在北市國長年的耕耘與支持下，這些 人才成果也終漸成為樂團自身的力量，讓國樂星空愈發燦爛。
「市國之星」系列音樂會指揮家：廖元鈺、劉江濱、黃光佑（由左到右）
除了不同的主題策劃，北市國的另一項重要任務，也在於邀集海內外的代表性國樂大師登臺獻藝，為樂迷帶來頂尖的 音樂盛宴。在本樂季的「名家」系列中，北市國將與多位夙負盛名的中西樂人攜手合作 指揮家如安敬業、瞿春 泉、張宇安與李哲藝；國樂名家如陳中申（笛）、湯良興、楊靖、周韜、張瑩（琵琶）、王玉 珏 （揚琴）、羅晶 （箏）、黃勤心（古琴）、王瀅絜（二胡）等；西樂名人如楊文信（大提琴）、林品任（小提琴）、盧易之、段欣妤 （鋼琴）及吳珮菁（擊樂）等。當然，北市國的三位聲部首席 嗩吶首席林子由、笛子首席賴苡鈞與擊樂首席謝從 馨，也將在同系列共襄盛舉。
此樂季的另一盛事，是北市國再度「從臺北走向國際」、行程升級的歐洲巡演。在團長鄭立彬的帶領下，北市國將偕楊 文信、嗩吶首席林子由及笛子首席賴苡鈞，造訪歐陸三大頂級交響樂場館 柏林愛樂廳（ Berliner Philharmonie ）、萊 比錫布商大廈（ Gewandhaus Leipzig ）及維也納金色大廳（ Großer Musikvereinssaal ），作為 2025/26 樂季以及臺北市傳 統藝術季的閉幕節目。繼 2024 歐洲巡迴在德國東南部（德勒斯登、雷根斯堡）及東歐（布拉格、拉貝河畔烏斯季）為 主的行程安排廣獲好評後，今年更向西方音樂的文化核心邁進，象徵了北市國國際能見度的又一次提升。
「國樂交響」音樂會：笛演奏家陳中申、作曲家游昌發、溫隆信（由左到右）
作為公部門樂團，北市國在為市民呈現頂級演出之餘，也身負國樂資源孕育、經典與文化保存、呈現多元展演的不同 任務。這些面向，基本上是市國過去幾年成果的進一步延續：
「臺灣風情畫」2026 TCO 歐洲巡演：大提琴家楊文信、嗩吶首席林子由、笛子首席賴苡鈞（由左到右）
資源孕育方面，北市國持續推動附設之少年、青少年、青年、市民、教師、學院等國樂團以及合唱團，安排專場音樂 會及國際交流活動，提供不同身份年齡的國樂愛好者精進技藝與登臺亮相的契機。第五年推動的「聽 ・ 繁星點點 臺灣國樂青年音樂家繁星計畫」持續與國內國樂學系與樂團及專業國樂團隊合作，邀請年輕頂尖獨奏好手與北市國聯 袂共演，提供其磨礪與曝光的機會。除此之外，北市國今年也將首度舉辦「全國學生音樂比賽指定曲音樂會」，特別 邀請比賽常勝軍指揮任燕平與林克威，針對國小至大專組的指定曲目，帶來典範級的演奏詮釋。
經典與文化保存方面，本樂季對於現代國樂及不同傳統經典皆有顧及。每年固定的臺北市傳統藝術季與外製節目，將為 箏樂團、客家戲、歌仔戲、洞簫、揚琴合奏等節目提供資源及舞臺。今年 12 月的「弓弦人生 閔惠芬的二胡傳奇」 以及明年 5 月的「一代宗師：彭修文紀念音樂會」，則將集結海內外諸多名家及樂人子弟，共同緬懷兩位大師的藝術風 采。而在多元展演方面，北市國今年將以校園民歌及瓊瑤為主題，分別推出民歌音樂劇「微風往事」以及「讓我把你的 歌留住」瓊瑤紀念音樂會，前者邀請愛樂劇工廠攜手製作，後者則邀請學者沈冬教授策劃及導聆，一同歡唱多首雋永的 經典民歌。 TCO
劇院一向是北市國叫好又叫座、深受大眾喜愛的重要節目，相信這次也將延續既往水準，帶來國樂音 樂劇場的另一精彩高峰。
最後，除了實體的樂季演出，北市國也將投入經營線上的音樂平臺：自 9 月開始，每週將在 YouTube 頻道固定推出「 北市國歷年音樂會實況精選首播」及「 Just Vibing ！國樂生活誌」兩項節目，一方面回顧並重現樂團歷年的精彩現場， 另一方面則實踐教育職責，引領廣大市眾親近並欣賞國樂。
縱覽整個 2025/26 樂季，可以看到北市國不斷在既有的資源人脈、展演成果上推進發展，並且以更加緻密交織的方式規 劃節目，不斷創造新意與吸引力，也同時創造展演以外的教育或文化價值。不論樂迷走進哪一場音樂會，相信都能在那 悠揚的國樂樂音之中，感受到北市國兼顧自身職責與藝術水準的滿滿誠意。
Text / YEN Tsai-Teng
Image / Taipei Chinese Orchestra
In the 2025/26 season, the Taipei Chinese Orchestra (TCO) will present more than 40 performances shaped by core program focuses, including The Music of LO Leung-Fai, the TCO Star Series, the Virtuoso Series, and initiatives in cultural preservation. Through these curatorial approaches, the orchestra continues to fulfill its mission to preserve tradition, cultivate talent, develop new works, and promote cross-disciplinary innovation.
The Music of LO Leung-Fai continues TCO's long-standing commitment to spotlighting composers. The season features dedicated concerts, revivals of representative works, and new commissions that trace LO's creative journey from the 1970s to the present. Alongside classic works such as Spring , Summer , Autumn , Winter , his monumental GUAN Gong will return as the centerpiece of the Opening Concert of the 2026 Taipei Traditional Arts Festival. LO has also been invited to compose a new pipa concerto as the designated piece for the finals of the 2026 Taipei Chinese Instrumental Competition, reflecting his vision of renewing the canon while sustaining creative vitality.
The TCO Star Series brings together past competition winners, current orchestra members, and former principal players from its affiliated ensembles, appearing either as soloists or as composers of new works. For commissions, established and emerging composers with competition credentials are invited to create new pieces. In performance, laureates of past instrumental competitions appear as soloists in various programs, while current TCO section members present diverse solo recitals within the Exquisite Series.
The Virtuoso Series assembles outstanding performers and renowned composers from Taiwan and abroad. Highlights include CHEN Chung-Shen's return to perform MA Shui-Long's Concerto for Bamboo Flute and Chinese Orchestra, as well as premieres of new symphonic works by David Loong-Hsing WEN and YIU Chang-Fa. Several pipa masters will take the stage together in two programs for spirited encounters that showcase the artistry of the instrument at the highest level. The season concludes with TCO's international tour to three of Europe's most prestigious concert halls: the Berliner Philharmonie, the Leipzig Gewandhaus, and Vienna's Musikverein Golden Hall, enhancing the orchestra's global profile.
In education and preservation, TCO continues to support its affiliated ensembles and chorus, and collaborates with university departments through the Rising Stars of Chinese Music Project, providing young musicians with valuable stage experience. The season also includes the Concert of the Designated Repertoire, the 114 Academic Year National Student Music Competition, as well as tribute concerts honoring MIN Huifen and PENG Xiuwen. Theater and concert projects themed on campus folk songs and the works of Chiung Yao further extend the dialogue between Chinese Music and popular culture.
This season's program strikes a balance between breadth and depth, reflecting the TCO's artistic strength and its ongoing commitment to cultural heritage and music education.
身體協奏曲，與宇宙共同修行
文 / 劉馬利（國立東華大學、臺北市立大學音樂系音樂學兼任助理教授） 圖 / 朱樂寧、吳孟珊
演奏者的身體，不只是技術的載體，更是與音樂、與宇宙對話的橋樑。肌肉記憶、呼吸節奏與姿態穩定，是演奏者 的阿基里斯腱，主導著音色的層次、情感的張力與速度的掌控。這些身體的覺察與習慣，構築了演奏的能量核心。
氣息，是演奏者的靈魂律動。運氣，是最關鍵的因子，呼吸是 種韻律，是樂句與樂句之間的聯繫，韻腳與韻腳之間的親密感， 就像靈魂的舞蹈，在宇宙間無窮無盡的律動。
朱樂寧，現任臺北市立國樂團（下稱北市國）中音笙演奏家，演 出型態多元，涵蓋獨奏、協奏、重奏及室內樂，更勇於嘗試與戲 劇、舞蹈、多媒體等跨界元素結合。她自幼熱愛游泳與排球，甚 至背著家人偷偷參加排球校隊選拔，最後還被選上了。雖然運動 夢想因家庭而中斷，但朱樂寧在練習游泳的過程中培養出的肺活 量，成為日後演奏笙的重要基礎。「對於吹管樂演奏者，肺活量 是關鍵，笙需要極大的氣息控制，而我從小就有很好的肺活量， 游泳、豎笛、重量訓練，這些都幫助我建立了身體的感知能 力。」朱樂寧認為從小建立的運動基底，對於日後的演奏工作助 益良多。
擦弦樂的演奏，也相當重視身體的調和，拉奏時的呼吸與音樂的律動息息相關，每一個音符都要賦予生命氣息。吳孟 珊，現任北市國二胡演奏家，目前活躍於國樂各類型態展演實踐、學術研究與教學領域。自幼在家人將運動視為身心 平衡的重要習慣中成長，她也因此深受影響，於有氧舞蹈、瑜伽、慢跑、重訓與登山的過程中，在在都證明身體的流 動性與覺察力。「演奏者不應只依賴技巧訓練，而應透過日常運動建立身體的敏感度與耐力。不同運動對體能與肌群 的鍛鍊各有側重，也讓身體在多元訓練中獲得更細膩的回饋。例如，登山教會我如何分配體力與呼吸，這與練琴的節 奏感如出一轍，要懂得何時加速，何時放緩。」瑜伽也是吳孟珊的養分之一，「我在瑜伽中學到的身體覺察，讓我在 演奏時能更自然地回應音樂的律動。身體與聲音是同源的，它們彼此呼應。」更證明了演奏不只是手的動作，更是全 身的配合，甚至包括呼吸、重心與姿態。
因此，技巧的養成只是演奏家培養的一部份，身體察覺也是一大關鍵，所以生活中的運動就是訓練演奏的核心肌 群。其中，氣息的輕重緩急，賦予音樂情感的交流。
朱樂寧從小時候就非常喜歡運動，至今仍喜歡嘗試不同的運動
演奏即運動：技術與感知的交織
重訓，除了塑身之外，也造就了身體的平衡，更能自在的享受演奏的過程。
笙，屬於八音中的「匏」類，以簧、管共振發聲，因此是有一定的重量。當朱樂寧演奏37簧笙時，手持重量約4公斤 的樂器，「笙的種類繁多，尤其中低音笙體積大、重量較重，需更高肺活量與上肢肌力。每次演奏就像是一次次的 重訓。這種樂器不僅需要吸氣與吹氣的交替，更因笙的重量與演奏姿勢，長時間演奏會造成手部疲勞，對上肢肌耐 力有極高要求，所以我特別加強二頭肌與背肌的訓練。」
朱樂寧也以「肌肉對話」來形容自己的重訓經驗。「透過重量訓練可以更清楚地認識骨盆、腹腔、背肌等在演奏中 不易察覺的肌群。這些訓練讓我在演奏時更能掌握發力的方式，讓音樂更有支撐力與延展性。」朱樂寧認為透過重 訓加強手臂與背部的肌力，可以讓演奏更自如、不受樂器重量影響。
胡琴的重量相較於笙就輕便很多，但演奏對姿勢與手臂依然有高度要求。關於體能訓練，吳孟珊傾向以全身穩定與 控制為核心，再輔以手臂與手指的精細動作。對她而言，演奏是一種動態平衡，呼吸節律有助於身心協調，進而影 響演奏穩定與音樂表現。與其說要「打破傳統」，她更希望建立在傳統演奏經驗之上，結合身心動作科學。她強
調：「身體不只是技術的執行者，更是音樂的創造者。當身體被視為音樂的媒介，動作品質與聲音才能彼此印 證。」因此，舞台上的「身體」不再隱形，而是聲音表現的有機部分。演奏，就是一種全然身體力行的動態平衡。
身體的極限，往往在不經意中被突破。朱樂寧回憶起自己因重訓 與演奏過度而造成的肌肉拉傷與韌帶撕裂，甚至在 錄音期間因身體發炎而無法掌控演奏狀態。「那種無力感很深刻，明明是熟悉的曲子，卻因身體不聽使喚而無法表 現。這讓我更重視放鬆與肌耐力的平衡。」
朱樂寧在復健的過程中重新思考身體的界限與修復方式。她強調「身體太緊繃或太放鬆都不好，要保持彈性與覺 察。這樣才能在音樂中找到真正的自在。」演奏者必須學會與身體對話，傾聽其聲音，才能避免職業傷害。
所以音樂與身體有著很深層的因果關係，適度的放鬆才是以退為進的最佳策略。「切莫偏激」是朱樂寧時常自我提 醒的座右銘。「過度投入練琴與運動，曾導致手部拉傷與身體過敏反應。」這些經驗讓她深刻體悟，演奏者需維持 肌肉的彈性與適度緊張，才能在音樂與身體之間找到真正的平衡。
吳孟珊則以「中庸之道」為原則，常提醒學生在練習時要懂得察覺身 體的異樣。她鼓勵學生使用鏡子或錄影觀察自己的姿態，並在感覺痠 痛時立即休息與記錄。「千萬不要急功近利。重訓時，每組的增減重 量必須是謹慎的，練琴也是。你要知道什麼時候該減速，什麼時候該 放鬆。若練琴上感覺到哪個地方有痠痛或有些微的肌肉疲勞感就要馬 上停下來，並且一定要做筆記。」吳孟珊不斷與自身對話，並在教學 中引導學生從細微感覺認識身體，讓身體成為最真實的指引。
吳孟珊在近年的創作中，嘗試突破傳統坐姿演奏的侷限，改以站立方 式與舞者互動。她認為，身體本身就是音樂表現的一部分，肢體不僅 可以充分展現，更應成為舞臺表演的重要元素。「我邀請舞者一起創
作，讓演奏者的身體也成為表演的一部分。這不只是視覺上的突破， 讓作品的內涵與意境更為全面、立體，也呈現身體與音樂共同形塑的 關係。」
在長期研究與寫作的歷程中，吳孟珊常以登山來放空並重整思緒。
「山如同老朋友，永遠在那裡等著你。山以沉靜帶給人們耐心，以宏 闊與壯麗喚醒人們的敬畏，也讓我在舞臺上更加專注與穩定。體能的 提升不僅是肌肉的鍛鍊，更是心志的淬煉。」縱使群山靜默，卻給予 吳孟珊更多的感悟。
吳孟珊漫步於山中，仍不忘細細覺察山林中的美好事物
其實演奏本身就像是一種自我修行，也印證了孔子在《論語》中所說的「中庸之為德也，其至矣乎。」中庸就是適度的 控制力道，動靜皆自在，是對身體的尊重與覺察，不只是避免職業傷害，更是一種倫理。演奏者不應為了追求技術而犧 牲身體，而應在技術與身體之間找到平衡點，這個概念的核心是追求一種動態的平衡與和諧，最終達到「至誠」的理想 人格境界。
在教學實踐中，朱樂寧與吳孟珊都強調「身體意識」的重要性，認為音樂教育不應僅止於技巧的灌輸，更應引導學生認 識自身的身體語言與感知能力，讓身體成為音樂的延伸。
的確，「身體即樂器」為運動賦予另一番定義。因此，在舞臺上，不只是聲音的場域，更是身體的劇場。演奏不僅是聽 覺的藝術，更是視覺的展演。樂器的發聲仰賴演奏者的操作，而身體的動作正是其中最關鍵的部份。演奏者不再只是執 行者，而是音樂的具象化身，透過身體，轉化為更豐沛的能量。
吳孟珊長年隨谷婷玉習練瑜伽，透過身體的覺察與意志的鍛鍊，使心志更加堅韌。
「在音樂演奏當中，如果是要重視呼吸和肌肉的運用的話，我覺得比較可以直接有關係的是當演奏的時候， 其 實是沒有辦法去注意身體肌肉的用力方式，透過重量訓練可以讓我認知自己肌肉發力的方式。」
「有氧類的運動，跟我們的演奏都可以結合，譬如有氧舞蹈、瑜伽、游泳或跑步等都可以跟呼吸做結合，因為 對於我們的演奏及運動都是運用呼吸的調配，笙是完全靠嘴巴在吸氣，因此偶爾也是需要靠鼻子的一些輔助， 那剛好也會跟有氧運動的某些要求會相同，所以其實演奏對於我來說完全就是運動的一部分，那我自己也是因 為如此才持續的有在運動。」
「體能的提升是對演奏有所影響，這是絕對的，如果體力越好，可以吹的曲子就越長，而且因為我們吹笙的 人，演奏的樂器會比較多元，包含高音笙、中低音笙、傳統笙，而傳統笙是舉在手上的，如果演奏時間長的話 負擔較大，那我就會花更多的時間在上肢的訓練，讓我可以在演奏上，不會覺得樂器很重，更能收放自如。」
北市國團員，擔任中音笙演奏，熱愛舞臺，演奏時而熱情奔放，時而柔美內斂，具豐富的演出經驗，以推廣國 樂為一生之職志。除了經常獲邀參與國外各藝術節演出外，亦經常舉辦個人獨奏會、聯合音樂會以及固定舉辦 師生音樂會。並嘗試與戲劇、舞蹈、多媒體等素材連結，積極開創笙的各類演奏型態。
「我很提倡透過運動的習慣，讓身體可以保持流動和彈性，並在生活中維持覺察，比如登山，需要掌握步伐， 透過速度與呼吸的掌控去保存體力。這相當於練琴時對體力與速度感的要求。」
「在練習瑜伽時，我會回到覺察身體細微感受的狀態，比如說專注在呼吸或伸展，這些會很自然的幫助我轉化 到舞臺上，提升演奏穩定性與協調感。」
「面對困難的山路，也要用很平靜的心去面對；就好比在音樂上，一個強烈的快板，也需要用安定的心，去很 穩定的演奏它，當身心同時對齊的時候，就會呈現出自然的音樂流動，並且帶給人安穩的感受。」
「在提升體能訓練過程中，意志力也會被激發得更加堅韌。體能的增強與意志的強化相輔相成，除了力量的提 升，更培養出一份韌性，而這與演奏的精進是成正比的。」
北市國團員，擔任二胡演奏，受父親五心教育「專心、耐心、恆心、細心、決心」啟發，於習藝與人生之路以 五心為鑑，專注深耕與拓展。演奏風格溫潤細膩而沉穩大氣，深植傳統底蘊，也映照當代美學。除國樂既有的 多種演奏形式外，亦和舞蹈、新媒體有跨域合作，展現二胡藝術多元性與魅力，並投入教育推廣、學術研究與 多面向的藝術實踐。
LIU Ma-Li
(Adjunct Assistant Professor at National Dong Hwa University and Department of Music, University of Taipei)
CHU Le-Ning, WU Meng-Shan
This article examines the experiences of two Chinese Music performers, CHU Le-Ning and WU Meng-Shan, in how musicians view their bodies as vessels for music with which they engage in a deep dialogue with the universe. More than a display of techniques, performance is an integrated practice that involves the body, breath, and perception. Muscle memory, breathing rhythm, and postural stability form the energetic core of the performer, shaping tone, emotion, and tempo control.
From an early age, CHU Le-Ning enjoyed swimming and volleyball. The lung capacity and muscular strength she developed through sports became a vital foundation for her performance on the sheng. As a reed instrument of considerable weight, the sheng demands precise breath control and upper-body endurance. CHU describes weight training as a "dialogue with the muscles," through which she came to recognize pelvic, abdominal, and back muscles often overlooked in performance. This awareness has given her music a stronger foundation and greater resonance. She emphasizes that performing, like strength training, requires mastering the application of force and maintaining bodily balance to play the instrument with ease and
WU Meng-Shan engages in a variety of physical practices, each targeting different aspects of fitness and muscle groups and giving her body nuanced feedback. Among these activities, mountain climbing teaches her to regulate breathing and control physical exertion, while yoga enhances her sensitivity to musical flow and physical coordination. She believes that performers are not merely executors of technique but creators of music. She emphasizes that “the body is an integral part of musical expression,” describing performance as a state of dynamic balance involving breath, center of gravity, and posture. She advocates moving beyond the conventional mindset in music education that treats the body merely as a tool, instead recognizing it as an active medium at the heart of musical creation.
Music education should extend beyond technique to include bodily awareness. The stage is a physical theater where performers manifest music through their bodies, achieving a state of sincere artistry. Performance is a spiritual practice that balanc es skill and body in resonance with the universe.
如果遠方有戰爭──關於彭修 文：幻想曲《秦・兵馬俑》與 尼爾森：第五號交響曲的雜談 文、圖 / 江振豪
彭修文是現代國樂團的奠基者 一、引言
人類從未真正 從歷史中習得教訓 ，漫長的人類史更可以說就是一部戰爭的歷史。藝術作為時代的鏡子以及人心的映照， 除了各個時代的社會氛圍之外，也成為了一些有關人類的永恆命題的最佳載體，畢竟，無論生在哪一個時代或文化之 中，人類的基本情緒都是相同的，都會為了愛情而觸動，為了生離死別而痛苦。而從未真正遠離人類世界的的戰爭， 自然也成為了音樂作品中的重要題材。
彭修文幻想曲《秦 ・ 兵馬俑》是大型國樂團合奏作品，透過秦陵出土的兵馬俑，直面戰爭的殘酷以及對於暴政的控 訴；丹麥作曲家尼爾森的第五號交響曲創作於一次世界大戰結束後，透過隱喻方式描寫戰爭對於舊時代的秩序、價 值觀以及人心的破壞。兩位作曲家來自完全相異的文化背景，兩部曲目分別為交響化國樂團與後浪漫時期的交響樂 團的作品，各自服膺於截然不同的美感與邏輯，但他們都透過了各自的獨到眼光來解析戰爭。
遠方的戰爭必然不在我們眼前，但偉大的藝術作品總能為那些人類的巨大苦難做出見證。本文將以我的工作以及丹 麥求學經驗，結合浸泡於不同音樂文化之中的心得，以探討兩首作品與戰爭相關之音樂作品的核心精神。
二、作品概述與時代背景 彭修文（ 1931-1996 ）是國樂發展的重要推手，可以說是現代國樂團的奠基者，其創作以及中國廣播民族樂團之建制為代 表的「彭修文模式」更是直接影響了後世的國樂團以及國樂作品的發展。除了對於國樂團聲響的建置之外，作為作曲 家，他擁有深厚的中國傳統人文素養以及文化內涵，並且對於傳統樂器的特色和配器有著深入的研究，其中，創作於 文化大革命（ 1966-1976 ）結束之後的幻想曲《秦 ・ 兵馬俑》就是他將中國古代文化符號轉化為獨特音樂語言的代表 作之一。
彭修文受到秦陵出土的巨大震撼，於 1984 年完成了幻想曲《秦 ・ 兵馬俑》，屬於他的晚期作品。這部作品的誕生背景， 緊扣著兵馬俑作為歷史遺產的象徵意義。它既代表帝國的權力與軍事威嚇，也折射出戰爭背後死亡與永恆的凝視。樂曲 並非描寫兵馬俑本身，而是透過軍容壯盛的秦俑群，聯想至士兵們長年征戰的辛酸與鄉愁，以及故鄉家人的殷殷思念這 些永恆的人類情懷，以幻想曲的題名為手段，道出帝國遺緒最深處的人間悲苦。全曲分為三段： 一、軍整肅 ・ 封禪遨遊幾時休 二、春閨夢 ・ 征人思婦相思苦 三、大纛懸 ・ 關山萬里共雪寒
尼爾森第五號交響曲第一樂章中小軍鼓的演奏指示 幻想曲《秦‧兵馬俑》的手稿中，彭修文撰寫的第二段標題
《秦・
兵馬俑》並不僅僅是對古代場景的描繪，它展現了對帝國秩序與死亡氛圍的凝視。
作品透過音樂重建了一種森嚴與壓迫，象徵戰爭所帶來的強制力量，這種巨大的壓抑在第一段以及第三段都在擬真音響 的堆疊以及血淚控訴的文摹寫而得以具體地呈現。在第二段中以微觀視角做為對比，直視巨大機器中渺小個體的生離之 悲，就像是以實例的方式喚醒聆聽者對思念親人的共情，完整了整部作品對於戰爭的刻畫，相較於傳統中國音樂中對於 戰爭主題多為歌詠英雄以及勝利，《秦 ・
兵馬俑》不著重於戰爭場景的渲染，而是以歷史凝視的角度從外在客觀直述人 類的苦難。
丹麥作曲家尼爾森（ Carl NIELSEN, 1865-1931 ）是最具代表性的丹麥作 曲家，他有著獨樹一幟的音樂語彙，出身自菲英島的農村，兒時浸淫於 民間音樂，直到進入音樂學院後才正式接受學院派的訓練。他的作品中 處處顯示出受到丹麥民間傳統音樂以及自然地景的影響，結構與配器音 響等都有著強烈的個性，不同於當時主流的德國和法國作品，這也是他 的作品在北歐地區以外並沒有得到應有的聲望的原因，但這些接地氣的 民間音樂語言使得他的作品引起丹麥人非常深刻的共鳴。第五號交響曲 是他六首交響曲中最能體現其個性化語言的一首，也是北歐以外的世界 首次見識到尼爾森的藝術價值的代表作品。
1921 至 1922 年間完成的第五號交響曲，可以說是尼爾森將戰爭經驗化為 音樂寓言的嘗試。它的誕生與當時歐洲社會的創痛密不可分。《第五號 交響曲》沒有標題，並且只有兩個樂章： 一、嚴格穩定的速度 不過分的慢板 （ Tempo giusto—Adagio non troppo ） 二、快板 急板 稍慢的行板 快板 （ Allegro—Presto—Andante un poco tranquillo—Allegro ）
Carl NIELSEN 是丹麥最具代表性的作曲家
與《秦 ・ 兵馬俑》相反，尼爾森的第五號交響曲是徹頭徹尾的絕對音樂，沒有深富文學性的文字標題。它並不直接 描繪戰場和其他具體情緒，而是藉由音樂的對比探討人性內在的矛盾。音樂中的「秩序」與「破壞」二元對立，正 是一種對戰爭後人類心靈裂痕的心理寫照。尼爾森堅稱這部作品的非標題性，並沒有刻意為了描寫戰爭而創作，但 同時他也表示「我們之中沒有任何一個人和戰前一樣。」祥和的旋律，被即興的小軍鼓粗暴地打斷，直接令人聯想 到戰爭的暴力。誠然，人是社會的動物，藝術家身處的時代往往對其作品內容的影響力及其深遠，甚至超越藝術家 自身經歷。
第一次世界大戰（ 1914-1918 ）雖規模與傷亡人數都比不上第二次世界大戰來得慘烈，但它是歐洲社會的重要轉捩點，沒 有人真正預期會發生這場戰爭，也沒有人想到所有舊有的秩序會在一夕之間全然潰敗，老牌的帝國瓦解了，封建體制倒 塌了，世界從未遭受如此鉅變，人們的價值觀也受到了強烈的衝擊，這個年代的歐洲藝術作品無不顯示出世界巨變的樣 態，調性音樂與浪漫主義也一同隨著舊秩序傾頹了，人們徬徨於舊有秩序的瓦解，卻也企盼著新時代的到來。丹麥雖然 並未被直接波及，但目睹了周圍大國面臨的戰爭災厄，同樣逃不過相同的陰霾與恐懼。
可嘆的是，若干年後的二次世界大戰中，丹麥也未能倖免於戰爭的無情，被納粹德國佔領。
兩部作品相比較，幻想曲《秦 ・
兵馬俑》更偏向於外在「歷史凝視」，從戰爭帶給個體的苦難出發，結束在吶喊般的 控訴，也窺見彭修文充滿憐憫的人性光輝；而尼爾森第五號交響曲則是內在的「心理描繪」，通過二元對立的音樂語 彙，呈現出內心的掙扎和無所依歸，以及對世界的徬徨和渴望。兩者在文化語境上迥異，創作手法也大相庭徑，但同 樣透過 音樂對戰爭留下的陰影給予回應。
三、表現手法與精神體現 幻想曲《秦 ・ 兵馬俑》結構是 ABA 曲式，便是如前所述有標題的三個段落。其中第三段為第一段的再現，此外若套入奏 鳴曲式的框架觀之，序奏的低管主題（厭戰士兵的哀嚎）和第一段的第二主題（士兵的思鄉情緒）是在第三段的最後， 也是整首作品的結束段（ Coda ）才以極具張力的堆疊呈現（叩問蒼天的吶喊）。第二段除了整體配器不同於第一第三段 的合奏音響為主之外，音樂內容也聚焦在個人化的生離苦痛。在配器手法上，彭修文大量運用國樂器的音色組合，用音 畫的技術營造出各式場景，不論是開頭的打擊樂器弱奏模擬軍隊行進的步伐以及兵器冑甲的碰撞聲，齊奏的音響也呈現 了壯盛的軍容；第二段運用了大量獨奏樂器用以演繹各種細膩的情感，像是用塤模擬士兵的鳴咽，用箏象徵婦人的悽苦 思念，還有中胡與柳琴的二重奏表達相互傾訴思念，這些都不只是音色的使用，更是引用了個別樂器的傳統文化象徵， 使得第二段中的多段落和傳統上各樂器的角色性格相互輝映，相得益彰。
與幻想曲《秦 ・
兵馬俑》文以載道，嚴謹引用西方傳統曲式的態度截然不同，尼爾森的第五號交響曲結構上更加直覺 化、碎片化以及難以預測，詳加分析必然長篇大論，本文主要著眼於第一樂章。簡言概括，兩個樂章的設計如同「破 壞」與「重建」的對立，而第一樂章中的小軍鼓，更成為象徵混亂與暴力的標誌性手法。第一樂章分為兩段，第一段 Tempo giusto 冰冷的氛圍基底令人想起北歐寒冷黑暗的冬天，帶有丹麥民歌風的第一主題不斷地被突如其來的動機和 機械的小軍鼓節奏打斷並干擾，調性始終沒有找到方向，最後在朦朧的木管樂器中結束。第二段 Adagio 和前段截然不 同，溫暖動人的弦樂對位一掃前段的陰霾，飽滿地吟唱，但卻隨即被突如其來的粗暴咄咄逼人的主題（第一段主題的 變形）干擾，後來具有破壞性的小軍鼓也加入，像是槍械般不斷攻擊著溫暖的主題旋律，兩方展開非常戲劇性的拉 扯。值得一提的是在這段的小軍鼓，樂譜上的指示是比樂團其他聲部更快（ q =116 ），隨即，小軍鼓則被指示即興演 奏，彷彿要不惜一切代價阻止音樂繼續向前走，最後，溫暖的主題在長時間的堅持後戰勝一切阻礙，抵達高潮，小軍 鼓也加入了樂團。這一段的音樂非常感人，主題彷彿是在槍林彈雨中掙扎著向前，當一切平息了之後，單簧管重新奏 起開頭冰冷的主題，但此時卻是溫暖平和的，同時還有無限反覆的漸弱小軍鼓。戰事沒有止息，只是走向了下一站， 如同戰後的人們內心受到的創傷，並不因為戰爭終結而撫平。第二樂章結構更為豐富，頭尾兩段主題夾著中間兩段不 同速度的賦格，相較於第一樂章的戲劇性，第二樂章更以純音樂性動機發展的自由形式架構而成，但仍能視為第一樂 章的對比。溫柔與暴力、寧靜與張狂，這樣的二元拉扯對立在這部作品中無處不見，此外，典型的尼爾森語彙也大量 出現在作品之中，例如用同音斷音重複象徵農村牲畜的叫聲，以及充滿丹麥民歌風格的主題，都是他的作品即使受到 現代主義影響，仍讓丹麥人深感共鳴的原因。
如果說彭修文以「外在化」手法重現歷史的宏大場景細膩情感，那麼尼爾森則以「內在化」的手法描繪心靈的撕裂和掙 扎。兩者殊途同歸，對後世而言，兩部作品都記錄了當時時代的觀點以及思索，都讓音樂超越單純的形式藝術，而成為 精神見證。
彭修文以兵馬俑為楔子，道出尋常百姓在亂世的悲哀，甚至是繼承了中國古代文人對於世間悲苦的關懷目光，呈現東 方文化視角下對戰爭與權力的反思。相對地，尼爾森的《第五號交響曲》誕生於一戰後的廢墟之上。歐洲社會的心理 創傷，使得這部作品不再是單純的交響作品，而是一種時代的速寫，映照出人性的光輝和戰爭的虛無。
兩部作品來自不同文化，卻在音樂中留下共同的見證：戰爭讓人類一次次跌入黑暗，而音樂卻以另一種方式記錄、抵 抗，甚至撫平創傷。遠方的戰爭或許不在眼前，但這些作品提醒我們：歷史從未遠去，音樂正是見證。本文著重在兩 部作品的核心精神與表現手法的探討，篇幅所限，未能以導聆的角度詳盡解說，不足之處還望讀者海涵，也期待這篇 文章能夠提供一個新的「國樂與西樂的欣賞比較」角度，讓愛樂朋友們參考。
Text and Image / CHIANG Chen-Hao
The history of humanity is, in many respects, a history of war. Across time and culture, art has served as a vital means to rec ord and reflect on the experience of conflict. Music, in particular, not only captures the zeitgeist but also reaches into the deepest layers of human pain and longing.
This essay focuses on two compositions that seem distant in context, yet both take war as their central theme: The Fantasia –The Chin Dynasty Terra Cotta Soldiers by PENG Xiuwen and Symphony No.5 by Carl August NIELSEN. Each offers a response to the shadow of war shaped by its own cultural setting.
PENG Xiuwen (1931–1996) played a crucial role in shaping the modern Chinese Orchestra. His 1984 fantasia, inspired by the Terracotta Warriors, unfolds in three movements: "Military Discipline," "Dream of the Boudoir," and "Suspension of the Great Banner." Rather than merely depicting the grandeur of ancient armies, the piece reveals, through majestic scenes and subtle emotion, the death, homesickness, and sorrow that lie beneath the spectacle of war.
The first and third movements reflect the rigidity of imperial rule, while the second expresses grief and longing. PENG drew on the timbres and cultural symbolism of traditional Chinese instruments—the xun, with its sobbing tone; the zheng, evoking a longing woman; and the string duet, like a voice in quiet confession—to blend the concrete with the lyrical. The work ultimately reflects not triumph on the battlefield, but a contemplation of history and a quiet indictment of its suffering.
In contrast, Symphony No. 5, composed between 1921 and 1922 in the aftermath of the First World War, was the work of Danish composer Carl August NIELSEN (1865–1931). Structured in two movements and without a programmatic title, the piece was conceived as absolute music, yet it carries a powerful emotional weight. Its tension between structure and disruption becomes a musical reflection of the fractured human spirit.
In the first movement, jarring snare drum rhythms slice through the orchestra, injecting a sense of violence and instability th at disturbs the surrounding warmth. These sudden ruptures echo the psychological wounds left by war. The second movement emphasizes structure and clarity, employing a fugue to convey a modest hope for renewal. Although NIELSEN claimed that the work was not programmatic, he recognized that "war had changed us all."
PENG's fantasia provides a historical perspective, while NIELSEN's symphony reflects on the inner turmoil that follows a collapse. One looks to the past, while the other examines the inner self. Each expresses the enduring wounds of war through a unique musical language.
In conclusion, PENG Xiuwen continued the compassionate perspective of the Eastern literati. Through the symbol of the Terracotta Warriors, he questioned the nature of power and the tragedy of war. NIELSEN used musical allegory to portray the psychological trauma following World War I. Though they came from different cultures, both composers revealed the same truth: war has repeatedly cast humanity into darkness, while music records, reflects, and seeks to heal.
Though war may not be before our eyes, these works remind us that history has not receded. Music bears witness.
文、圖 / 陳端安
從閒話家常裡得知李老師是江蘇鹽城人，可能是跟著部隊或機關 來到臺灣的，在臺灣除了有一個弟弟，沒聽說還有別的親人。李 老師曾經組過海軍的國樂隊，也在國防醫學院唸過牙醫，畢業後 自己開業。在他的診所裡曾經看到王沛綸先生在那裡看牙，也曾 見過許博允、樊曼儂在那裡聊天，上課時間沒看到什麼病人，倒 是二胡學生跟音樂界的朋友經常在那裡出入。
《國樂樂譜》第三輯 1957 年 12 月初版，由中華國樂會 （現中華民國國樂學會）發行，編輯者為李鎮東先生。 第一次見到李鎮東老師是大一那年下學期（ 1969 ）幾位臺大（國 立臺灣大學）薰風國樂社的同學們去到新生南路金華街口對面一 個門口掛著「大東牙科」的矮房子，一進門先看到一張牙科看病 的大椅，牆邊放著一把超大尺寸的蛇皮二胡，蛇皮約臉盆大小裝 上兩根粗粗的牛筋弦，不像經常在使用，但光放著也夠典雅。我 們從此開始了每週一次的小班二胡課，上課的還有劉宛然、趙秦 育、謝清佳、范碧玉等來自醫、理、法、商不同學院。一開始練 些張韶《二胡講座》裡的小曲（《南泥灣》、《紡棉花》 …… 等），見識到老師處理民間小曲的原汁原味，大家都在羨慕老師 那把老紅木的胡琴，還有他那迷人的揉弦音色。
李老師頗具音樂天賦，但他的師承來自哪裡不是很清楚，李老師 提過他曾跟俞鵬學過，俞鵬（ 1917-1946 ）以劉天華為典範走二 胡創新風格的路線，所以李老師處理劉天華的樂曲用心而且擅長 俞鵬的作品如《平原競馬》。李老師的國樂歷程與中廣國樂團應 該也有關係，根據高子銘先生的《現代國樂》一書，李老師曾於 1951 參加「中華國樂團」赴菲律賓演出四場，該團以中廣國樂團 為骨幹，同行有高子銘、孫培章、周歧 峯 、楊秉忠等 18 人，都是 一時之俊秀，曾於菲總統御前演奏。
在大東牙科上課時經常碰到其他登門前來學琴的弟子，都是國樂科系主修二胡的學生：如藝專（國立藝術專科學 校）的顧豐毓，文化大學的葛瀚聰、陳淑芬、蔡培煌、吳榮燦、鄭榮興、林江山 ⋯⋯ 等，他們後來都成為國樂科 系第一代科班出身的師資或臺北市立國樂團的團員。從聊天中得知所學的曲目也都相似：有劉天華的十大名曲； 有民國早期的作品如：俞鵬的《平原競馬》、陸修棠的《懷鄉行》；也有大陸的新作品如：《牧人樂》、《賽 馬》、《趕集》、《春詩》、《江河水》、《豫北敘事曲》、《三門峽暢想曲》 ⋯⋯ 等。
那個年代的二胡教學還沒出現很多類似小提琴教材中的音階與運弓的練習曲，張韶二胡講座中有一些但很有限，所 以李老師授課大多仍以獨奏曲為教材，一首接著一首，而事實上那個時期除了劉天華的十大名曲之外，臺灣及大陸 都已經陸續產生了許多新作品：有藝術風格的、有戲曲風格的，也有一些強調快弓、跳弓、拋弓等炫技的作品，所
以不缺教材。有時候學生甚至會衝得比老師給的快，李老師也都還能指點出一些學習重點。二胡的曲趣中有許多在 於表現滑音、裝飾音及運弓特色的；也有在於如何解構樂句、樂段的語法與風格的，老師都能巧妙拿捏並且示範。
例如李老師對《燭影搖紅》就有過一套他的詮釋，像是小提琴的處理手法，讓曲子一開始更具有戲劇性的張力。李 老師偶爾也會採納一些西洋樂曲做教材，例如在學降 B 調音階時用到葛利格的《蘇爾維琪之歌》，偶爾也會選用民 初的老歌如《五月的風》。
李老師曾經提到過與鄧昌國（於 1959 年）所舉辦的一場國樂音樂會，因為用到《漁舟唱晚》一曲而被警備總部盯 上並且上了報紙新聞，他對此忿忿不平，為什麼一首傳統古曲改編之作，只因為曲目與大陸唱片雷同而被罰？是 否正因為這種心情，使得李老師在教授二胡時會比別人承受更大的心理壓力？但無論如何李老師在臺灣仍處於戒 嚴時期的 1970 前後，在兩岸樂譜、樂手仍禁止交流的期間，是少數有能力教學大陸新作品的老師之一，當時許多 學子都在跟著唱片摸索，嘗試一字一句翻譯樂譜及指法，我們相信李老師當時也是在摸索，但悟性更高可以整理 出來他的一套詮釋。後來當正版的樂譜出現時，我們發現李老師的詮釋果然精準；如果偶有不同，李老師的詮釋 也不輸原譜，《牧人樂》入板後的主題樂句就是個好例子；當時大家也在猜那段撥弦跟拋弓是怎麼弄的？李老師 抓得都八九不離十。
1952.11.15
前排右吹笛子為李鎮東左拉二胡者是林沛宇；後排左起陶基強、大鵬國樂社的謝仲篪、裴遵化。
裴遵化與李鎮東間第二排拉大胡者為高亦涵。吹簫者為黃願鈿。最後排擊鼓者為大鵬國樂社的夏炎。
除了學琴，我們也會討論到一些比較嚴肅的話題：例如李老師認為當時的藝專不應該是「國樂科」與「音樂科」
對立並列，而應該像文化大學一樣由「音樂系」之下分為「西樂組」與「國樂組」，因為國樂到底只是屬於音樂 中的一支，國樂仍該服膺於音樂的樂學理論、物理學及美學，而不是另立門戶。
討論到樂器改革，李老師佩服莊本立主任對古樂器研究與改革的精神，但對他研發出來的「四筒琴」認為稍嫌草 率。能夠擴張二胡的音域是許多二胡手的期待，但二胡到底是有它歷史淵源的，若無法保留住傳統的音色與特 質，那改革的意義就不大。二胡可以就材料與物理性質去改進音質音量，但如果大幅度變動形貌與音色就不能再 叫作二胡或南胡了。
討論到五線譜或簡譜的問題，李老師並沒有堅持一定要全面改進為五線譜，以國樂在當時的大環境，如果驟然改 成五線譜，對國樂普及化可能未蒙其利先受其害。過了半個世紀之後再回頭看這件事情，五線譜似乎仍只普及於 專業樂團及學院教學中，一般民間樂團仍以簡譜為主。其實樂譜只是個工具，古琴減字譜或現代音樂中使用的圖 像樂譜，只要能夠更方便於紀錄音樂與指法，那又何必堅持一定要用看似先進的五線譜來記載？
李老師除了二胡教學也能創作樂團合奏曲，他曾經幫臺大薰風國樂社編過兩首音樂比賽自選曲：《邊疆舞曲》是 改編自琵琶獨奏曲《彝族舞曲》，用來參加 1970 年的音樂比賽，當年大家充滿興奮期待，但因為是由「匪曲」改 編，被評審不予評分，大家雖然失望，但輸的也值得。另一首是 1972 年參賽的《十面埋伏》，改編自琵琶古曲， 此曲獲得大專組優勝，李老師也很開心。我們私下在想李老師從《漁舟唱晚》的鬱悶到《十面埋伏》的釋懷，也 未嘗不是一段心路歷程的突破與舒坦。
1952.11.15
臺大校慶晚會，前排左起林沛宇、黃願鈿、沈國權、王德春小姐、李鎮東先生、孫培章先生、楊秉忠先生、朱譜祥。
李老師除了自己創作，同時也鼓勵年輕人創作，他的看法是西洋音樂從巴洛克到爵士樂，一路都在演變，許多舊日 的規則都已陸續被打破，所以他鼓勵我們，即使不是音樂系背景，也無需作繭自縛。在他的鼓勵之下，幾位臺大學 生也真是寫了一些新作品在演奏會中初試啼聲。此時李老師都是從旁鼓勵，不會動手改學生的作品。
李老師平易近人，我們這些初生之犢也沒大沒小。後來上課逐漸已經不再侷限於二胡，也會花些時間在聊國樂的走 向，中西樂器合作的可行性，於是吸引到更多臺大同學們的加入，如陳裕剛、王正平、陳仲桐、黃國師 一同天 南地北，亦師亦友。牙科診所擠不下就去東門餃子館，他教會我們如何剝生蒜頭配餃子，我們則會去開他的冰箱看 他用什麼豆腐乳配白饅頭？李老師愛喝點小酒，可惜當學生的我們還難識其中趣味，但都一致認為老師唱片中偶失 音準，應該跟他愛喝酒有關。
李老師與臺大學生的另一段因緣是促成了「大學樂團」的成立，大學樂團是由臺大在學學生王正平、陳仲桐、周鳳 丹、趙秦育與筆者等為骨幹，所成立的一個校外樂團，礙於政府對學生跨校私組樂團的限制，當時並未申請政府立 案，但也曾在實踐堂開了幾場售票音樂會，發表過十幾首由團員創作的新曲，並於四海唱片公司灌錄過兩張唱片 （《春江花月夜》、《瀟湘夜雨》）。大學樂團初創時已招募到師大（國立臺灣師範大學）的史庭輝與東吳（東吳 大學）的朱家炯加入，稍晚期的演奏會還有文化大學國樂組的同學們加入協演。當年我們自許「大學之道」在明明 德、在親民、在止於至善，一方面要守護傳統一方面要創作新聲。在這段期間裡李老師幫我們出主意、鼓勵創作、 指導音樂、借用練習場地 出力不少，如果沒有他，我們很可能就會少了這一段青春的飛揚。
李老師有他的一些西樂界朋友，所以鮮少聽說他在國樂界有爭名奪利的糾紛，好像他都把重心放在年輕人身上，從 不保留的把自己的技術傳授出去，也不會吝嗇把自己的資源與學生分享。例如：他以在東吳大學音樂系教課的背景 向系主任推薦了陳裕剛、王正平與筆者在東吳大學音樂週演出了《姑蘇行》、《百鳥引》、《彝族舞曲》、《十面 埋伏》、《牧人樂》與《賽馬》，讓以西樂為主的音樂會中吹進一絲新鮮的國樂風。李老師也曾推薦王正平、趙秦 育 等人，參加許博允、李泰祥、葉維廉的七一樂展這場現代音樂與新詩的助演，雖然只是點綴但可以讓人感染 到藝術的多元與創新活力，同時也領悟到了國樂器在現代音樂中可以發揮的表現力。李老師曾在大學樂團窘困之 際，幫忙找到警察廣播電臺的練習場地。李老師也憑著私人交情，說服了四海唱片老闆廖乾元先生幫大學樂團這群 初出茅廬的年輕人出唱片。更不用說李老師後來在他的學生畢業之後，還推薦了幾位青年俊秀進入文化大學國樂科 任教，同時他也鼓勵一些有心深造的弟子出國進修。李老師這種開闊的胸襟與栽培年輕人的實際作為讓許多人感念 不已。
1972.4.2 臺大薰風國樂社榮獲全省音樂比賽大學組國樂合奏冠軍，前排右二為李鎮東先生，左二為林沛宇先生。第二排右二為陳端安，左一為王正平。
臺大薰風國樂社創社於 1952 年，李老師當時就讀國防醫學院，已經跟近在羅斯福路對面的薰風創社元老們如高亦涵 等有所互動，但還是要等到 1970 前後他與臺大學生們的接觸才有更頻繁的互動，並曾以客席指導的身分來薰風國樂 社指導過幾年。在 1970 年由臺灣大學與薰風國樂社聯合主辦的一場「林沛宇先生作品發表演奏會」中，李老 師並親 自領奏薰風國樂社老學長也是指導老師林沛宇先生的中胡協奏曲作品《馬祖之戀》，一曲跌宕婉轉，古風樸樸。
李老師作育英才無數，大多數是文化大學與東吳大學的音樂系學生。而臺大當年是個沒有音樂系的學校，但由於幾 個學生去學琴的機緣，建立起李老師與臺大薰風國樂社的頻繁互動。雖然當年接受過李老師指導的臺大學生們後來 都各奔前程，散布於世界各角落，但我們慶幸曾經得到這位明師的啟發，得以更深入音樂的殿堂。在那幾年裡，臺 大出了幾位畢業後不走本行改走音樂專業的怪才，其中陳裕剛（電機系）、王正平（外文系）、林谷芳（考古人類 學系）等在國樂界都有過傑出的表現，他們在學時或畢業後，都曾受到過李老師的啟發。
年輕時能夠遇到一位好老師絕對是一生中難得的幸福，李老師不但為我們樹立了為人師表的典範，讓我們學會了在 教學生或對待朋友的時候要展開胸懷無私付出，而在面對音樂的時候，也能夠心懷古今縱橫東西，不侷限自己於絲 竹之一隅。
Text and Image / CHEN Tuan-An
In 1969, I was part of a group of students from the National Taiwan University Chinese Orchestra (NTUCO) sent to study the erhu at the Da-Dong Dental Clinic. This visit marked the beginning of my profound connection with Professor LI Chen-Tung. Originally from Yancheng, Jiangsu, Professor LI studied dentistry at the National Defense Medical Center and later established his own practice. He showed exceptional musical talent and studied under YU Peng. He also worked frequently with the Broadcasting Corporation of China Chinese Orchestra and once joined them on a tour to the Philippines. His clinic became a gathering place for students of Chinese Music and colleagues from the music community, serving as a venue for both learning and exchange.
Professor LI's teaching centered on erhu solo works, drawing on the classics of LIU Tianhua, compositions by YU Peng, and also newly created pieces. He had a keen command of stylistic features, such as glissandi and other slide techniques, ornamentation, and bowing, and offered uniquely insightful interpretations. Even during the Martial Law period, when all contact with mainland China was cut off, he would listen closely to recordings and figure out new pieces on his own. The versions he reconstructed were often more insightful than the original scores. Beyond erhu repertoire, he also introduced Western Music and early 20th-century Chinese songs as teaching materials, broadening students' horizons.
Outside the classroom, Professor LI cared deeply about the future of Chinese Music education. He believed that Chinese Music belongs within the larger field of music and should therefore be integrated into music departments rather than set up as standalone divisions. He was open to new ideas, such as improving traditional instruments and using Western staff notation in Chinese Music. He reminded us that while trying new things was important, the distinctive sound of Chinese musical instruments should never be lost. He admired CHUANG Ben-Li's drive to innovate, yet would also gently caution that if the erhu's shape or tone changed too much, it might no longer be the erhu. As for notation, he saw it simply as a tool—helpful when needed, but not something to follow rigidly.
Professor LI was also active in composition and arrangement. He once arranged a piece for the NTUCO to enter in a competition, but because it was based on a so-called mainland composition, the judges refused to consider it. In 1972, however, his ensemble arrangement of the pipa classic Ambush from All Sides won first prize in the university division. He encouraged students to compose, offering support without interference. He was both a mentor and a companion to his students, often engaging them in discussions about the future of Chinese Music and its interaction with Western traditions. With his guidance, his students established the Da Shue Chinese Music Band, creating new works and recording albums. Professor LI served as a vital promoter, providing advice, offering rehearsal spaces, and helping with publication.
He was generous in sharing resources, recommending students for performances, and helping them pursue teaching or study opportunities. He never sought fame or gain; instead, he poured his energy into his students. While he lectured in Chinese Culture University and Soochow University, he also spared some time with students from National Taiwan University, which had no formal music department; he inspired several students who later became important figures in the field including CHEN Yu-Kang, WANG Cheng-Ping, and LIN Gu-Fang.
To me, Professor LI Chen-Tung was approachable, broad-minded, and wholly selfless. He was both an inspiring teacher and a true exemplar. He did not merely impart erhu technique; he encouraged students to embrace perspectives from both ancient and modern times, as well as from the East and West. Meeting such a master in my youth remains one of the greatest blessings of my life.